Se você gosta de arte, pode ter decidido, por exemplo, que não gosta de arte conceitual. Ou surrealismo. Ou minimalismo. Bom para você. Perfeitamente justificável. Mas então, um dia, talvez depois de uma taça de vinho no almoço ou na companhia de um amigo com uma perspectiva diferente, algo que parece se encaixar em uma dessas categorias o interrompe. Seu gosto, cuidadosamente adquirido e mantido com orgulho, deveria rejeitá-lo. Mas não pode. Você está olhando para isso de um ângulo ligeiramente diferente, você não pode negar que é incrível, e de repente a parede de vidro que você nem sabia que existia está quebrada a seus pés.
Raqib Shaw, protagonista da beleza explosiva exposição no Museu Isabella Stewart Gardner em Boston, tem precisamente esse efeito na minha sensibilidade. Nasceu em Calcutá, na Índia, cresceu na Caxemira e reside em Londres. O seu ateliê é uma antiga fábrica de salsichas convertida num idílio hortícola, repleta de bonsais, borboletas e colmeias, escondidas atrás de muros altos.
Durante grande parte da vida de Shaw (ele tem 50 anos), a beleza montanhosa e de conto de fadas da Caxemira foi prejudicada pela amarga disputa entre a Índia e o Paquistão pelo território, um dos prováveis desencadeadores da guerra nuclear.
Shaw deixou a Caxemira ainda adolescente no início da década de 1990, após o início da violência sectária. Mudou-se com a família para Nova Delhi, onde encontrou trabalho com o tio materno, que vendia joias, antiguidades, tapetes e tecidos. Shaw viajou para Londres a negócios em 1993 e, depois de ver “Os embaixadores”na National Gallery, ele decidiu se tornar um artista.
Em termos de técnica, o trabalho de Shaw é deslumbrante. Qualquer um pode ver isso, mesmo na reprodução. Mas até que vi uma amostra do seu trabalho em Veneza Há dois anos, presumi que suas criações não eram do meu agrado. Não ter que explicar faz parte do gosto, mas vou tentar:
Não gosto quando sinto que um artista está tentando me dominar com virtuosismo técnico. Fico impaciente com detalhes complicados e frenéticos. Não gosto de ir a uma galeria apenas para me sentir preso em uma espécie de “onde está Waldo?” universo. E não gosto muito de arte contemporânea cheia de símbolos, grotescos e criaturas híbridas como centauros e demônios.
Olhando para o trabalho de reprodução de Shaw, senti-me fustigado por ventos que carregavam todas essas características infelizes, como pólens tóxicos. Suas imagens podem parecer ilustrações de livros infantis sofisticados ou árvores de Natal desordenadamente sobrecarregadas. Eek!
Mas veja essas pinturas pessoalmente, demore-se nelas e as coisas rapidamente parecerão diferentes. Somente em sua presença, quando você registra sua tridimensionalidade, você pode ver o quão simplesmente surpreendente é a técnica de Shaw. Ele cria essas obras tremendamente ambiciosas e meticulosamente planejadas, desenhando contornos finos em acrílico dourado. Os contornos são como linhas de chumbo em vitrais. Ligeiramente elevados, criam pequenos poços, nos quais Shaw deposita o esmalte líquido, movendo-o com espinhos de porco-espinho ou agulhas finas para criar texturas, mudanças tonais e outros efeitos.
A técnica elaborada não é um truque. Pelo contrário, é a expressão de uma sensibilidade que, na sua combinação de tristeza e humor, excentricidade e sinceridade, auto-engrandecimento e auto-zombaria, é tão obsessiva e incomum que chega a ser totalmente original.
As pinturas “Baladas do Oriente e do Ocidente”, como é intitulada a exposição de Gardner, foram feitas na última década, um período que Shaw descreve como “o início da minha maturidade”. A maioria apresenta autorretratos, muitas vezes acompanhados pelo falecido Jack Russell terrier de Shaw, Sr. C, ou um alter ego (um lobisomem vestido com um quimono azul).
Além de ser a tentativa de Shaw de reverter a perspectiva colonial de Rudyard Kipling (cuja “A Balada do Oriente e do Ocidente” inspirou o título), a exposição é na verdade uma série de canções sobre o exílio. O que é confuso é que as obras expressam a ansiedade e o desejo do exílio não através de destilação poética, mas através de um gêiser quase comicamente imparável de símbolos, modos, alusões e caprichos em cascata. É a diferença entre esperar, digamos, uma suíte para violoncelo de Bach, carregada do indescritível, e topar com um álbum conceitual emocionalmente incontinente de uma banda de rock progressivo, executado por um gênio do mal de olhos frios.
As pinturas de Shaw constituem uma forma muito moderna de horror vacui. Esse termo latino, que significa “medo do vazio”, é frequentemente usado para descrever os padrões hipnoticamente proliferantes de certos tipos de arquitetura islâmica ou católica, onde nenhuma superfície fica sem decoração. Portanto, é interessante que Shaw tenha sido criado em uma família muçulmana, frequentado uma escola católica e tido tutores hindus e budistas.
Suas pinturas geralmente retratam a Caxemira ou Londres. Suas decorações são ora islâmicas, ora hindus ou budistas. Os caças e os motins aludem ao conflito no Himalaia. Os incêndios infernais evocam não apenas a violência política, mas também, num caso, um incêndio desastroso no próprio ateliê do artista. As esferas de vidro nos cantos de suas obras contêm mundos alternativos hermeticamente fechados. Os cenários arquitetônicos e as paisagens servem como citações de pinturas de antigos mestres de Antonello da Messina, Caspar David Friedrich e Ludovico Mazzolino.
Uma extraordinária pintura em grande escala, “A Retrospectiva”, é inspirada em uma galeria de pinturas do século XVIII pintada por Giovanni Paolo Panini. Ele contém reproduções em miniatura de pelo menos 60 peças de Shaw, muitas delas penduradas em paredes próximas. Um tour de force, é tão ostentoso e autorreferencial quanto qualquer coisa que Matthew Barney já criou.
Em sua homenagem a “A Adoração dos Reis”, Shaw substitui o terno abraço de Maria no menino Jesus por uma imagem de si mesmo embalando o Sr. C. Nesta cena sagrada cristã, ele também pinta periquitos verdes e um santuário ao santo sufi Makhdoom Sahib, ambos lembrados de sua infância na Caxemira. Poderíamos interpretar estas imagens, seguindo a etiqueta na parede, como um sinal da determinação de Shaw em manter-se “de perto à sua própria identidade, mesmo quando é cortejado pelo establishment artístico euro-americano”. Mas não estou convencido. As imagens de Shaw são muito inteligentes, muito exageradas, muito numerosas e fantasmagóricas para que um conceito limitador como “identidade” ganhe muita força.
Para mim, as suas pinturas sugerem uma profunda compulsão para encontrar formas pictóricas enriquecidas para o que não pode ser recuperado: a sua infância no Himalaia, a Caxemira pré-conflito e talvez até o próprio paraíso. Portanto, há um pathos embutido nisso. Shaw reconhece o pathos e parece constantemente pronto para rir de si mesmo. Repleto de auto-zombaria, seu trabalho ousa registrar o quebra-cabeça brilhante e caleidoscópico da individualidade.
Às vezes eu sentia uma solidão terrível ao sair desses canteiros de obras lotados. Mas também senti que Shaw poderia estar simultaneamente rindo de sua boa sorte: da oportunidade do exilado de ser mais de uma coisa, de usar máscaras, de borrifar seu jardim com fertilizante e purpurina, e de não estar sujeito às expectativas de ninguém. sobre o que fazer. fazer.
Raqib Shaw: Baladas do Oriente e do Ocidente Até 12 de maio no Museu Isabella Stewart Gardner em Boston. gardnermuseum.org. Ele irá para o Museu de Belas Artes de Houston e depois para o Huntington em San Marino, Califórnia.
